La numerofonía - Sergio Aschero

En el mes de abril de este año tuve el privilegio de participar en la segunda edición de TEDxBuenos Aires. En esa oportunidad dio una charla Sergio Aschero, el creador de la numerofonía. Aquí les dejo la charla.

Björk y la vanguardia

Björk está llevando a cabo un proyecto llamado "Biophilia" que contiene todos los elementos para catalogarlo de vanguardista. En una nota del diario La Nación cuentan los detalles del proyecto. Leela aquí.

La música en el Di Tella. Resonancias de la modernidad

Del 17 al 24 de junio se llevará a cabo el festival "La música en el Di Tella. Resonancias de la modernidad", organizado por la Dirección Nacional de Artes de la Secretaría de Cultura de la Nación. Es una conmemoración de los 50 años del Centro Latinoaméricano de Altos Estudios Musicales del Instituto Di Tella, donde se respiraba un espíritu de vanguardia musical y se enseñaba las estructuras contemporáneas de la composición, la textura musical en el siglo XX, el conocimiento de los instrumentos electroacústicos, orquestación, etc.
Para más información: http://lamusicaenelditella.cultura.gob.ar/

Ciclo sobre música contemporánea

La señal paga Film & Arts pondrá en pantalla, los cuatro próximos miércoles, a las 21, Fronteras de la música, un ciclo de documentales sobre cuatro importantes creadores de la música contemporánea: Philip Glass, Elliott Carter, Arvo Pärt y Steve Reich.
Mañana se verá Looking Glass, el capítulo dedicado a Philip Glass, el músico habitualmente reconocido como minimalista, aunque él prefiera definir su estilo compositivo como "música con estructuras repetitivas". La dirección del documental es de Eric Damon.
El miércoles 16 será el turno de Laberinto de tiempo, dedicado a Elliott Carter, el compositor norteamericano de más de cien años que pasó de la música neoclásica a la modulación métrica. Con dirección de Frank Scheffer, también participan Pierre Boulez y Daniel Barenboim, entre otros.
El miércoles 24 llega 24 preludios para una fuga, primer documental sobre Arvo Pärt, en el que se lo sigue en ensayos, estrenos, seminarios y encuentros.
Finalmente, el 30 se verá Steve Reich, un documental en el que el músico serialista norteamericano habla sobre algunas de sus obras claves.
Fuente: Diario La Nación

Adiós a Captain Beefheart

El domingo pasado murió uno de los músicos que colaboró cercanamente con Frank Zappa. El disco doble vanguardista "Trout Mask Replica" fue producido por este destacado músico. El álbum es una mezcla entre jazz, rock, blues y sonidos atonales. Su nombre original era Van Vliet y hace ya un tiempo que estaba alejado de la música y se estaba dedicando a la pintura. Falleció a los 69 años.

Festival de Cine y Música de San Isidro

Del 27 de Noviembre al 4 de Diciembre se realizará la tercera edición del Festival de Cine y Música de San Isidro organizado y producido conjuntamente por la Dirección General de Cultura de la Municipalidad de San Isidro y la Fundación Cinemateca Argentina.

Inspirado en los Festivales europeos de Bologna y Pordenone, el Festival propone a los espectadores del siglo XXI nuevas experiencias estéticas a partir del rescate de obras maestras del cine mudo acompañadas por música en vivo compuesta y ejecutada por consagrados artistas locales. La música en algunos casos es original, y en otros se compone especialmente para la ocasión.

Para conocer la programación completa clickea aquí.

10 años sin el Cuchi Leguizamon

El domingo salió una nota muy interesante en el suplemento Radar de Página/12 recordando los diez años del fallecimiento del gran artista salteño, Gustavo "el Cuchi" Leguizamon. Se puede leer completa aquí.
Video homenaje de Pedro Aznar, intepretando "Zamba del Carnaval".

¿El cerebro de los músicos es diferente al de las personas?

El domingo pasado salió en el diario Perfil una nota acerca de cómo se procesan las melodías a nivel cerebral. Nota completa.

David Byrne y cómo la arquitectura influye en la música

Thomas Dolby componiendo en un bote que lo inspira

Experimentación vocal: hip-hop

Reactable

La Reactable es un instrumento musical electrónico colaborativo dotado de una interfaz tangible basada en una mesa, e inspirado en los sintetizadores modulares de los años sesenta. Fue desarrollado por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, por un equipo de investigación integrado por Sergi Jordà, Marcos Alonso, Günter Geiger y Martin Kaltenbrunner. Múltiples usuarios simultáneos comparten el control total del instrumento moviendo y rotando objetos físicos sobre la superficie de una mesa circular luminosa. Manipulando dichos objetos, los cuales representan los componentes clásicos de un sintetizador modular, los usuarios pueden crear tipologías sonoras complejas y dinámicas, mediante generadores, filtros y moduladores, en una clase de sintetizador modular tangible. Sólo existen diez Reactables en el mundo, incluido el que le fue vendido a la cantante islandesa Björk y al grupo español On/Off (fuente: Wikipedia)

Patricio Jiménez: se fue un vanguardista del folklore

El domingo se fue un grande la música folklórica de la Argentina, Patricio Jiménez, integrante del mítico "Dúo Salteño", cuyo repertorio giró en base a la obra del gran compositor Gustavo "Cuchi" Leguizamón.

La visita de Larry Coryell: padre del jazz-rock

El próximo viernes 27 de noviembre a las 21 hs. en el Auditorio de Belgrano se va a presentar quizás el padre de lo que se denomina como "jazz-rock" o "jazz-fusión", Larry Coryell. Tiene una destacada trayectoria en el mundo de la música, ha tocado con músicos como Al Di Meola, Stanley Clarke, Paco De Lucía, Charles Mingus, Chick Corea, John McLoughlin, entre otros, y transcribió piezas de Stravinsky. En esta oportunidad -ya que visitó el país anteriormente- llegará con dos grandes músicos como el bajista Víctor Bailey (integró Weather Report y tocó con músicos de la talla de Pat Metheny, Wayne Shorter, Branford Marsalis y Madonna) y el baterista Alphonse Mouzon también miembro de Weather Report y tocó con Stevie Wonder, Eric Clapton, Jeff Beck, Carlos Santana y Chubby Checker. Imperdible!.

Ballet Mecanique

El miércoles 18 de noviembre en el Ciclo de Música Contemporánea que se está desarrollando en el Teatro General San Martín, se presentará la obra "Ballet Mecanique" de George Antheil, compuesta en 1923 y por primera vez representada en la Argentina. Para conocer más sobre la historia de esta mítica obra clickear aquí.

Concierto gratuito homenaje a Mauricio Kagel en el Konex

En ocasión de cumplirse un año del fallecimiento de Mauricio Kagel y de la distinción con el Premio Konex de Honor 2009: Música Clásica a este compositor, la Fundación Konex realizará el domingo 15 de noviembre de 2009, a las 16:30 hs., en la Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Cdad. de Bs. As.), un concierto/espectáculo In Memoriam. Entrada libre y gratuita. Las mismas deberán obtenerse en la boletería de CCK a partir de las 14:30 hs. ese mismo día.
Programa:

1- LA TORRE DE BABEL (2002)
Seis canciones del ciclo, en alemán, húngaro, hebreo, latín, francés y castellano.
Klara Csordas, mezzosoprano.
Romina Pedroli, bailarina
Coreografía: Diana Theocharidis

2- SEIS MARCHAS PARA MALOGRAR LA VICTORIA (1978-9), para instrumentos de viento y percusión.
Adriana Montorfano, flauta y piccolo
Federico Landaburu, clarinete
Julián Goldstein, trompeta
Emiliano Barri, saxo tenor
Pablo Mosteirin, saxo barítono
Hernán Martel, tuba
Oscar Albrieu Roca, percusión
Gonzalo Pérez, percusión

Compañía Oblicua, dirección: Marcelo Delgado.

3- ZWEI AKTE/ DOS ACTOS, para dos bailarines, arpa y saxofón. (1988)
Lucrecia Jancsa: arpa
Alejandro Soraires: saxo
Johanna Cessiecq y Julián Garcés, bailarines

Entre las obras se proyectará un fragmento del film Süden, de Gastón Solnicki, 2006.

Coreografía: Diana Theocharidis
Escenografía: Graciela Galán
Vestuario: Graciela Galán y Julián Garcés
Asistente de Vestuario: Analía Manouelián
Asistente de escenografía: Mariela Solari
Iluminación: Pablo Fontdevila.
Coordinación de producción: Natalia Iñón

Dirección de escena: Diana Theocharidis

Ciclo de Música Contemporánea en el Teatro San Martín

Tony Levin bajista King Crimson Peter Gabriel

El muro de sonido de Grateful Dead

El muro de sonido (Wall of Sound) era un enorme sistema de sonido diseñado específicamente para Grateful Dead. El grupo nunca quedaba satisfecho con los sistemas propios de los locales donde tocaban, entre ellos el prestigioso "Fillmore East" manejado por Bill Graham; así que en sus inicios, el técnico de sonido Owsley "Bear" Stanley les diseñó una PA y un sistema de monitorado. Los sistemas de sonido de Stanley eran delicados y remilgados, teniendo que detener conciertos frecuentemente debido a causas técnicas. Tras la encarcelación de Stanley por producción de LSD en 1970, el grupo volvió a utilizar durante un breve tiempo PA's locales, hasta que les parecieron menos fiables aún que los sistemas concebidos por su técnico. En 1971 compraron a Alembic Inc Studios su primer sistema de sonido sólido. A raíz de esto, Alembic jugaría un rol integral en la investigación, desarrollo y producción del muro de sonido. El grupo también contrató a Dan Healy aquel año en lo que sería un cambio hacia una base permanente; Healy era mucho mejor ingeniero que Stanley y continuó mezclando los directos de Grateful Dead hasta 1993.

La razón que llevó al desarrollo del muro de sonido era conseguir un sistema de sonido libre de distorsión que funcionara al mismo tiempo como sistema de monitorado. Tras la liberación de Stanley de la prisión a finales de 1972, éste, junto con Dan Healey, Mark Raizene del personal de sonido de Grateful Dead, y Ron Wickersham, Rick Turner y John Curl de Alembic Inc lo consiguieron combinando once sistemas de sonido independientes. Voces, guitarra solista, guitarra rítmica y piano disponían de su propio canal y conjunto de altavoces. El bajo de Phil Lesh era cuadrafónico, con cada una de sus cuerdas asignada a un canal y conjunto de altavoces propio. Un canal amplificaba el bombo, y dos más amplificaban el resto de la batería en estéreo. Debido a que cada altavoz emitía el sonido de sólo un instrumento o voz, el sonido era excepcionalmente claro y no se producía distorsión por intermodulación de instrumentos.

El muro de sonido fue diseñado para servir como sistema de monitorado propio, y consecuentemente se montaba detrás del grupo, de forma que sus miembros pudieran escuchar exactamente lo mismo que escuchaba la audiencia. Debido a esto, se tuvo que diseñar un sistema especial de microfonía para evitar el feedback. Dead utilizaba agrupaciones de pares de micrófonos condensadores separados 60 mm entre ellos y desincronizados. El cantante cantaba en el micrófono más alto, y el bajo captaba cualquier otro sonido presente en el entorno. Las señales se sumaban, y se cancelaba el sonido que era común a ambos micros (el sonido del muro), amplificando sólo las voces.

El Muro de Sonido empleaba 89 amplificadores a transistores de 300 vatios y tres a válvulas de 350 vatios para generar un total de 26.400 vatios de potencia. Era capaz de producir sonido audible a un cuarto de milla y un sonido excelente hasta los 600 p, distancia a partir de la cuál se empezaba a distorsionar a causa del viento. Fue el sistema de sonido portátil más grande jamás construido (aunque "portátil" es un término relativo). Se necesitaban cuatro camiones y 21 miembros del personal para transportar y ensamblar el muro de 75 de toneladas.

Aunque el montaje inicial y una especificación rudimentaria del sistema se desarrollaron en febrero de 1973, Grateful Dead no empezó a dar giras con el sistema completo hasta un año después, en 1974. El muro de sonido era muy eficiente para su época, pero tenía sus inconvenientes, además de un tamaño exagerado. El teclista Ned Lagin, que estuvo de gira con el grupo durante 1974, nunca dispuso de una entrada exclusiva en el sistema, viéndose forzado a utilizar el subsistema de voces como amplificación. Como el sistema de voces se modificaba a menudo, muchas de las partes de Lagin se perdían en las mezclas. El formato cuadrafónico del Muro nunca se registró correctamente a las cintas de grabación de ese período, quedando el sonido comprimido en un formato estéreo poco natural.

El elevado coste de combustible y personal, así como las fricciones con muchos miembros del personal (y parásitos asociados), contribuyeron al "retiro" de la banda en 1974. El Muro de Sonido fue desmontado, y cuando Dead volvieron de gira en 1976, lo hicieron con un sistema de sonido más práctico en cuanto a logística. (Fuente: Wikipedia)

El auge de la música experimental

El sábado salió en el diario Crítica una nota interesante sobre la música experimental escrita por Claudio Koremblit. La versión completa de la misma.

En nuestro país existe un campo artístico que se ha extendido notablemente en los últimos años: la escena de la música experimental. A diferencia de otros campos como el del jazz, la música académica contemporánea o la música electroacústica, que son promovidos o subvencionados por las gestiones culturales municipales, nacionales y universitarias, con festivales internacionales, ciclos, laboratorios y carreras, la música experimental es el “género” más desamparado, desconocido y menospreciado de nuestra sociedad.

Sin embargo, desde el estallido social de 2001, explotó en casi todo el país. Como un grito de revulsión estética, poniendo en el sonido la más cruda representación de la vida cotidiana, esta música “para pocos”, según los medios masivos que la ignoran consecuentemente, se expandió como un virus entre los músicos de todo el país. Fuera de todo amparo, sus artistas comenzaron a generar ciclos, eventos y series para inundar de experimentación nuestras ciudades. No fue ajena a esta expansión la aparición de la web 2.0 y sus estimulantes formatos “hazlo-tú-mismo”, con la consiguiente y facilitada distribución de información entre la comunidad interesada.

Los nuevos contextos son salas en desuso, casonas recicladas, livings de casas, galerías de arte, bares, galpones y también museos. A contramano de las normas y en sintonía con una sana prepotencia anarquizante, la música experimental devino marginal y clandestina, sin habilitación ni licencia para existir, sonando en cuanto espacio la acepte, poblando reductos incómodos pero libres, inaugurando modos de convivencia pública con artistas de distintas disciplinas pero idéntica actitud, que viven las mismas penurias pero que no dejan de activar situaciones e inventar excusas para intercambiar energía en sus lugares de acción.

La crisis económica contribuyó sin duda a deprimir fatalmente el campo de apoyos, pero la escena experimental no dejó de crecer. En sus actividades no pareciera incidir el grado cero de interés reflejado a través del mutismo del mercado y de sus vías de difusión e intercambio, como siempre ocurre con las nuevas corrientes estéticas cuando no buscan el efecto comercial: es como si no existieran.

En esta nueva escena, fuertemente establecida local e internacionalmente, habitan exponentes de distintas generaciones, tendencias y personalidades, formados en diferentes escuelas o meramente autodidactas y con proyectos muy disímiles. Podría decirse, en un plano idealista, que cada uno es una escuela en sí mismo.

ANTIMERCADO. El campo experimental edita caseramente sus productos y los ofrece en sus presentaciones públicas. El material circulante es mayormente CD-R, aunque su gráfica sea profesional y su música esté bien grabada. Visto así, amparado por el silencio mediático reinante, alguno podría pensar que la música experimental no existe.

¿De qué música hablamos? Si fuera posible describirla con palabras, es aquella que se descubre a sí misma en cada interpretación, la que no puede ser fijada más que en una partitura mutable y que impulsa la creatividad del músico que se le arrima. Aquella que no se duerme en los laureles de las obras maestras, que se mueve por el aire del presente y se ensucia con las impurezas de nuestra vida. Improvisada, guiada, azarosa o pensada, pero siempre reveladora. No hay revistas, libros, programas de radio ni de cable. Tan sólo internet, con su autonomía, permite oxigenar el circuito y mantener informada a una parte de la población interesada y curiosa, que asiste a las actividades a pesar de la indiferencia general.

Sólo faltan los espacios donde mostrar. En este contexto son esenciales los programadores de lugares, muchos sin habilitación, que siendo conscientes de la desprotección y el ausente apoyo, ofrecen sus salas a los músicos experimentales sin asustarse por el carácter no comercial de su arte, y lo incorporan como una energía incontenible e imprevisible, que sorprende y contagia. Con esa apertura permiten que la escena se concentre, una sus fuerzas y divulgue sus producciones marginales. Algunos no pueden dar sus direcciones ni sus nombres, por temor a clausuras o a persecuciones, que siguen a la orden del día. Este informe no pretende facilitar las tareas represivas y confiscatorias, poniendo en peligro la continuidad de dichos espacios, sino que trata de reflejar una realidad escondida pero muy despierta.

UNA CASA. Así se llama el espacio con mayor continuidad de trabajo en el campo experimental, al menos desde hace cinco años en San Telmo. Gerenciado por una pareja de intelectuales muy activa, interesada en abrir un lugar multidisciplinario y funcional. Transformaron una amplia casona y allí conviven informalmente las distintas artes con la música. Sus mentores permanecen en el anonimato para evitar inconvenientes porque su habilitación no reúne todos los requisitos y prefieren dejarlo así, sin publicidad de sus actividades, que sólo se difunden de boca en boca entre un sinnúmero de “amigos”. La música experimental ocupa sólo un 10% de las actividades”, dice C, el coordinador. “Creo que el Estado no tendría que intervenir en el arte en general ni en la promoción de las nuevas músicas en particular. Lo que se hace acá demuestra que es posible promocionar esta música sin su apoyo ni el de los medios. En mi caso particular, ruego que no se meta en mis asuntos”, resume con lucidez, sin dejar de reconocer que la ausencia institucional que margina no tan sólo a la comunidad musical de vanguardia finalmente lo beneficia. “En mi caso, no tener apoyo me fortalece. Me sentiría muy vulnerable al tener que acudir al Estado o a los medios para hacer lo que hago hoy en día. Me satisface saber que a pesar de las dificultades algo se puede hacer”.

Resulta claro: lo que el Estado deja de hacer en su carácter de gestor cultural, con presupuestos destinados a sectores desprotegidos que se dirigen siempre a los que todo lo tienen, termina haciéndolo la misma sociedad, generando anticuerpos para la sinrazón oficial. Hoy, por ejemplo, a las 22 se presenta Pasajero Uno, la unión de Uno x Uno, Gastón Caba y Kamusabi.

DOMUS ARTIS. Este club de Villa Crespo (Triunvirato 4311) goza del prestigio y la exclusividad de ser el único espacio con piano de cola. Con una programación que mezcla géneros populares, actividades de teatro y danza con ciclos experimentales, Domus marcó una presencia vital en una zona de la ciudad no frecuentada, desde su inauguración en 2001. “Lo que más nos interesa es que la persona o el grupo tenga una búsqueda creativa, creación personal y originalidad más que nada”, dice Vanesa Ruffo, propietaria y programadora. Ella es compositora de música académica e integrante de orquestas experimentales.

Domus contiene actualmente ciclos como Instantes Sonoros, un domingo por mes, y ha presentado sesiones de improvisación libre y composición experimental. “Yo pertenezco a ese mundo, soy compositora, siempre que hay una oportunidad le abro las puertas a los colegas, pero no tengo muchas propuestas de música contemporánea o experimental”, aclara Vanesa.

La sala de Domus es pequeña pero de excelente acústica, se utiliza también para grabaciones en vivo y se complementa con los espacios circundantes: patio, bar, salas de ensayo, donde también se realizan actividades, en tanto no estén ocupadas por clientes que las alquilen. La programación se hace con las propuestas que le llegan, no hay una producción que convoque a los artistas, pero es selectiva: “No programo música comercial, no quiero manchar la programación, que es el lado artístico del lugar”. Mañana a las 20 estarán Nicolás Diab, Wenchi Lazo, Diego Pojomovsky, Ezequiel y Christof Kurzmann.

En los ocho años transcurridos desde el comienzo, Ruffo ha visto un notable crecimiento en el área experimental: “Creo que durante un tiempo estaba en un circulo muy cerrado y lentamente fue abriéndose mucho más, ahora veo que hay público que viene a ver qué es, no sólo el público fiel de lo experimental, y eso quiere decir que se está abriendo al mundo. No creo que haya sido de golpe pero creo que es una necesidad. En esta sociedad hecha tan ‘en serie’, el ser humano tiene que escapar por algún lado, salir del automatismo. Y todos estos espacios de investigación sobre el instrumento, con materiales, sonoros o plásticos, atraen a las personas para hacer que salga hacia fuera lo que hay adentro”.